Справочник авторов антикварного салона Русский модерн

     Алиса Нордин (Alice Nordin) (1871–1948)

     Шведская скульптор, художник-керамист, дизайнер. Одна из ключевых фигур шведского модерна  и национального романтизма.

Алиса Нордин родилась 12 мая 1871 года в Стокгольме в творческой семье. Её отец, Карл Нордин, был художником, а сестра, Элин Нордин (Elin Nordin), также стала художницей.

     С 1890 по 1895 год Алиса училась в Технической школе (Tekniska skolan) , а затем в Королевской академии свободных искусств (Kungliga Akademien för de fria konsterna) в Стокгольме. Она была одной из первых женщин, получивших полноценное академическое художественное образование в Швеции. В 1898 году она отправилась в Париж, где продолжила обучение и попала под влияние французского ар-нуво, что оказало огромное влияние на её стиль.

     Вернувшись в Швецию, Нордин стала одной из ведущих фигур шведского модерна (Jugendstil). Её творческий диапазон был необычайно широк.

     Она создавала монументальные и камерные скульптуры, часто из бронзы, гипса, мрамора, работала в жанре портрета и аллегорической фигуры. Её скульптуры отличаются плавными линиями, одухотворённостью и вниманием к деталям. Нордин сотрудничала с ведущими шведскими производителями, такими как Rörstrand, для которых создавала эскизы ваз, посуды и керамической скульптуры. Её керамические работы часто имели обтекаемые, природные формы. Она также работала с серебром, создавая изысканные украшения в стиле модерн. Нордин проектировала мебель и интерьеры, стремясь к целостности художественного пространства.

     Одним из важнейших эпизодов её карьеры стало сотрудничество с лучшей шведской фабрикой художественной бронзы «BOEHL MARKS» (1872–1933) в Стокгольме. Она создавала для фабрики модели осветительных приборов - люстр, бра, канделябров, а также скульптурных композиций. Её работы, отлитые в бронзе на этой фабрике, отличаются высочайшим качеством и изысканным дизайном.

     Алиса Нордин стала первой женщиной, удостоенной звания профессора скульптуры в Швеции в 1921 году. Она активно участвовала в художественной жизни, выставлялась на крупных выставках, включая Всемирную выставку в Париже в 1900 и Стокгольмскую выставку  в 1897, 1909гг. Её работы приобретались для национальных музеев Швеции, включая Национальный музей (Nationalmuseum) в Стокгольме.

     Алиса Нордин скончалась 14 декабря 1948 года в Стокгольме. Её творческое наследие остаётся важной частью шведского культурного достояния, а её работы продолжают экспонироваться в музеях и высоко цениться на антикварном рынке.

   Иван Андреевич Пелевин родился предположительно в Санкт-Петербурге в 1840 году и скончался в Петрограде в 1917 году, прожив долгую творческую жизнь, охватившую вторую половину XIX — начало XX века.

   С 1856 по 1862 год он обучался в Императорской Академии художеств , которую окончил со званием неклассного  художника 3-й степени. Уже через несколько лет, в 1869 году, за свои достижения он был удостоен почётного звания академика живописи, что свидетельствует о быстром признании его таланта.

   Пелевин работал преимущественно в жанровой живописи, став одним из тех мастеров, кто с теплотой и вниманием запечатлевал сцены деревенского быта. Его кисти принадлежат также несколько исторических полотен, однако основу его наследия составляют именно образы крестьянской жизни, народные типы и сцены, что сближает его с традициями передвижников. Помимо живописной практики, с конца 1860-х годов художник трудился в мозаичном отделении Императорской Академии художеств, участвуя в создании монументальных произведений для храмов и официальных зданий.

   Иван Пелевин был постоянным участником главных художественных форумов своего времени. Его работы можно было видеть на академических выставках в 1864–1890 годах. Он также экспонировался на выставках Товарищества передвижных художественных выставок в 1874 году, что говорит о его близости к идейным исканиям демократического искусства.Талант художника был признан и на международном уровне. Он участвовал во Всемирных выставках в Лондоне 1872 и Париже 1878, где его произведения были представлены широкой европейской публике.

   Произведения И.А. Пелевина хранятся в крупнейших музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что является безусловным подтверждением его вклада в русское искусство.

     Пфорр Иоганн Георг (Johann Georg Pforr) (1745–1798)

Иоганн Георг Пфорр — немецкий живописец, рисовальщик и гравёр, известный мастер анималистического жанра, в особенности изображения лошадей. За своё виртуозное мастерство в передаче лошадей он получил прозвище «немецкий Вауверман» (deutscher Wouwerman) , по имени знаменитого голландского художника-анималиста XVII века Филипса Ваувермана. Его творчество относится к эпохе Просвещения и классицизма.

      Родился 4 января 1745 года в городе Ульфен (Гессен, Германия) . Первоначально работал на руднике, но благодаря поддержке министра Якоба Сигизмунда Вайца фон Эшена получил место художника на придворной фарфоровой мануфактуре в Касселе (с 1769 года) . В 1778 году поступил в только что основанную Кассельскую художественную академию, где учился у Иоганна Генриха Тишбейна Старшего , и уже в 1779 году был принят в неё членом.

      В 1781 году художник переехал во Франкфурт-на-Майне, где и прожил до конца жизни. Там он женился. Пфорр активно сотрудничал с местными художниками, в частности с пейзажистом Кристианом Георгом Шюцем Старшим, и часто дополнял их картины анималистическим стаффажем. В этот период он приобрёл широкую известность как мастер сцен с лошадьми — его работы пользовались успехом у гессенской знати и самого ландграфа Фридриха II .

     Помимо живописи, Пфорр много работал в технике офорта. Им были созданы серии гравюр «Всадники, или Школа верховой езды», а также иллюстрации для книги «Анleitung Campagne-Pferde abzurichten» (Руководство по выездке кампанских лошадей). Известна также его серия «Превосходнейшие породы лошадей».

      Сегодня работы Иоганна Георга Пфорра представлены в крупнейших собраниях Германии: в Штеделевском художественном институте (Städel Museum) во Франкфурте, в Кассельской картинной галерее (Gemäldegalerie Alte Meister), в Гамбургском кунстхалле, а также в музее Гессенского государственного архива .

     Специализация Пфорра на анималистических и жанровых сценах с лошадьми была настолько сильна, что современники ставили его в один ряд с великим голландцем Вауверманом . Однако, в отличие от своих предшественников, Пфорр отразил в своих работах изменения в коневодстве: на смену массивным барочным лошадям пришли более лёгкие, «кампанские» породы, предназначенные для верховой езды, охоты и путешествий . Его работы отличает тщательная детализация, реализм и любовное отношение к натуре.

     Художник скончался 9 июня 1798 года во Франкфурте-на-Майне . Он является отцом известного художника-назарейца Франца Пфорра (1788–1812).

   Роберт Пётцельбергер — австрийский художник, скульптор и литограф 

   Петцельбергер учился в Академии изящных искусств в Вене в период с 1875 по 1879 года у Леопольда Карла Мюллера. После этого образования он стал профессором Академии изящных искусств в Мюнхене в 1880 году, оставаясь там до 1892 года; затем стал профессором в Академии изящных искусств в Карлсруэ до 1899 года; а затем в Государственной академии изящных искусств Штутгарта до выхода на пенсию в 1926 году. Среди его учеников были Фридрих Мисфельдт в Карлсруэ и Вилли Баумайстер в Штутгарте. Он был одним из основателей Венского Сецессиона.

   Под влиянием академических стилей французского импрессионизма он создал множество работ в историческом стиле, а также искал вдохновения в природном мире Южной Германии и Австрии.

     Рейкарт Давид III (David Ryckaert III) (1612–1661)

    Давид III Рейкарт — фламандский живописец и рисовальщик, представитель знаменитой художественной династии Рейкартов, мастер жанровых сцен из жизни крестьян и бюргеров. Он родился 2 декабря 1612 года в Антверпене и был крещён в тот же день в церкви Святого Иакова. Он был сыном и учеником пейзажиста Давида II Рейкарта (1586–1642) и внуком Давида I Рейкарта, что предопределило его путь в искусстве.

     В 1636 году Рейкарт стал мастером антверпенской гильдии Святого Луки, а в 1652–1653 годах занимал должность её декана . Он был одним из многих антверпенских художников, приглашённых для работы над оформлением торжественного въезда в Антверпен нового штатгальтера Испанских Нидерландов, кардинала-инфанта Фердинанда (1635 год); общее руководство этим проектом осуществлял Рубенс . В 1649 году Рейкарт купил в центре Антверпена дом, прежде принадлежавший пейзажисту Тобиасу Верхахту, одному из учителей Рубенса.

    Творчество Рейкарта пользовалось большим успехом у современников. Среди его заказчиков и патронов был эрцгерцог Леопольд Вильгельм Австрийский, штатгальтер Испанских Нидерландов, который приобрёл несколько больших композиций кисти Рейкарта; ныне они хранятся в Картинной галерее Музея истории искусства в Вене.

     На различных этапах творческого пути Рейкарт испытал влияние тематики и стилистики работ Адриана Браувера, Давида Тенирса Младшего и своего шурина Гонзалеса Кокса . Он начинал как пейзажист, но рано переключился на жанровую живопись. Его ранние произведения близки манере Браувера. В 1640–1650-е годы стиль художника претерпел изменения: вместо грубоватых крестьянских типов он начал изображать более респектабельные компании, часто занятые музицированием . Этот сдвиг в стиле, вероятно, был реакцией на прибытие ко двору эрцгерцога Леопольда Вильгельма, который предпочитал более утончённые сцены.

     Картины Давида III Рейкарта принадлежат многим музеям мира, в том числе они находятся в Аахене, Амстердаме, Берлине, Бонне, Брюсселе, Будапеште, Кёльне, Дрездене, Вене, Флоренции, Франкфурте, Женеве, Ганновере, Мадриде, Мюнхене, Нью-Йорке, Париже, Праге, Риме, Санкт-Петербурге (в Эрмитаже) и Москве. Художник скончался в Антверпене 11 ноября 1661 года.

   Пётр Петрович Соколов (1821–1899)-живописец, график, иллюстратор. Один из ярчайших представителей художественной династии Соколовых.

   Пётр Петрович Соколов родился в 1821 году в семье знаменитого акварелиста Петра Фёдоровича Соколова, основоположника русского акварельного портрета, и племянника великого Карла Павловича Брюллова. Хотя его путь в искусстве начался в Императорской Академии художеств (1840–1843), где он недолго учился под руководством своего дяди К. Брюллова, по сути, художник был самоучкой. Раннее прекращение учёбы в Академии не помешало ему, однако, стать одним из самых востребованных мастеров своего времени. В 1855 году за акварельные портреты он получил звание неклассного  художника, что открыло ему путь к независимой творческой деятельности.

  Петр Соколов быстро выдвинулся в число самых одарённых и известных русских иллюстраторов второй половины XIX века. Его виртуозный рисунок, острая наблюдательность и умение передать характер персонажей принесли ему славу. Он создал иллюстрации к произведениям, ставшим гордостью русской культуры:

   Н.В. Гоголь «Мёртвые души», И.С. Тургенев «Записки охотника», Н.А. Некрасов «Генерал Топтыгин», «Дедушка Мазай и зайцы», Л.Н. Толстой «Власть тьмы» 

   В 1877–1878 годах, во время Русско-турецкой войны, Пётр Соколов отправился на фронт в качестве художника-корреспондента при Главной квартире действующей армии. Он не просто делал зарисовки, а жил жизнью солдат и офицеров, за что был удостоен редкой для художника награды — Георгиевского креста. В 1879 году были опубликованы его сепии, посвящённые эпизодам этой войны, ставшие важным историческим и художественным документом.

   Талант Соколова был признан далеко за пределами России. Он неоднократно посещал Францию, и в 1889 году его персональная выставка в Париже имела огромный успех. За картины, представленные на этой выставке, художник был удостоен высочайших наград: золотой медали и ордена Почётного легиона — знака признания Французской республикой выдающихся заслуг в области искусства.

    Помимо иллюстраций и батальных сцен, огромную известность и признание Петру Соколову принесли его виртуозные охотничьи сцены и зарисовки из народной жизни. Они отличаются удивительной динамикой, точностью в изображении животных, тонким юмором и знанием быта. Жил и работал художник в Санкт-Петербурге и Москве, а также в своём имении в Тамбовской губернии, откуда черпал многие впечатления для своих работ.

    Произведения Петра Петровича Соколова хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина и многих других музейных и частных собраниях, являясь гордостью русской школы рисунка.

     В 1875 году в Нанси была основана стекольная мастерская Verrierre Sainte-Catherine. Её владелец задолжал крупную сумму нотариусу Жану Дом (Jean Daum, 1825–1885) , и в 1878 году тот принял фабрику в счёт уплаты долга . Жан Дом, юрист по образованию, переименовал предприятие в «Verrierie de Nancy» (Стекольное производство Нанси). 

     Настоящий расцвет фирмы начался после смерти основателя. В 1885 году дело перешло к его сыновьям, которые и создали легендарный бренд «Daum Frères» (Братья Дом).

     Старший брат, Жан-Луи-Огюст (Auguste Daum, 1853–1909), как и отец, был юристом и взял на себя управление бизнесом, финансы и коммерческую сторону.

     Младший брат, Жан-Антонен (Antonin Daum, 1864–1930), получил инженерное образование и обладал художественным чутьём. Он сосредоточился на творческом развитии и технологических инновациях .

     Огромное влияние на братьев Дом оказал триумф Эмиля Галле на Всемирной выставке 1889 года в Париже . В 1891 году Антонен Дом создал при фабрике первое художественное ателье . В 1893 году они пригласили знаменитого художника Жака Грюбера (Jacques Grüber) , который стал их главным дизайнером . Позже к ним присоединился Анри Берже (Henri Bergé) , разрабатывавший эскизы для серийной продукции .

     Братья отказались от копирования Галле и пошли своим путём. Их девизом стало создание более коммерческого, но не менее качественного продукта, ориентированного на массового покупателя, но с сохранением высочайшего художественного уровня.

     Братья Дом были не просто художниками, но и блестящими технологами. Они провели тысячи экспериментов, доведя до совершенства техники декорирования стекла.

      Как и Галле, они использовали травление кислотой для создания рельефных узоров на сосудах из двух и более слоёв стекла. В  1904 году — технологию использования цветной стеклянной крошки . Измельчённое стекло смешивалось со связующим, помещалось в форму и обжигалось. Это позволяло создавать удивительные по фактуре и цвету скульптурные вещи.

     В 1900 году на Всемирной выставке в Париже фирма «Daum Frères» была удостоена высшей награды — «Гран-при» . Это был знак мирового признания.

В 1901 году, когда Эмиль Галле основал «Школу Нанси», братья Дом стали её активными членами, а после смерти Галле в 1904 году возглавили это движение. Их ателье стало центром притяжения для лучших художников Лотарингии. Они сотрудничали с великим Луи Мажорелем, который создавал для них эскизы металлической оправы для ваз и ламп.

Даже в годы Великой депрессии 1930-х годов, разорившей многих конкурентов, мануфактура братьев Дом оставалась единственным действующим стекольным предприятием в Лотарингии .

В 1960-х годах фирма перешла от стекла к кристаллу и начала активно сотрудничать с известными современными художниками, включая Сальвадора Дали, Сезара и других. Сегодня «Daum» — это государственное предприятие во Франции, продолжающее выпускать шедевры в техниках pâte de verre и lost-wax, оставаясь символом высочайшего качества и артистизма.

     Александр Штрук (Alexander Struck) (1902–1990-е гг.) — немецкий скульптор-модельер, один из ключевых мастеров Мейсенской фарфоровой мануфактуры середины XX века, создатель знаменитых жанровых, сказочных и анималистических фигур, а также масок из бёттгеровского каменного теста .

 

     Александр Штрук родился в 1902 году в городе Мейсен — колыбели европейского фарфора. Художественное образование получил в Дрезденской академии художеств . Вся его профессиональная карьера была неразрывно связана с Мейсенской мануфактурой, где он начал работать в 1936 году как внештатный сотрудник . Он проработал на мануфактуру до 1968 года, создав за это время около 30 различных моделей . Умер Александр Штрук в 1990 году в родном Мейсене.

 

     Штрук специализировался на фигурках малых форм, создавая острохарактерные, порой гротескные, но всегда полные жизни образы. Его работы отличает прекрасное понимание материала и виртуозное мастерство лепки.

      Штрук создал целую галерею знаменитых проказников и шутов. Его фигура «Тиль Уленшпигель»  с совой и колокольчиками считается одной из вершин его творчества. Другой не менее знаменитый образ — «Грок», швейцарский клоун с контрабасом, ставший иконой мейсенского фарфора.

     Штрук был и прекрасным анималистом. Ему удавались выразительные сцены с животными. Например, композиция «Играющие медвежата» (1939) передает игривость и пластику зверей. Он также создавал фигурки в народных костюмах и жанровые сцены, такие как «Шнайдер Виббель» (1950) — персонаж из немецкой народной книги  — или «Охотник с соколом» (1956).

     Модели Александра Штрука, созданные в середине XX века, до сих пор остаются в производственной программе Мейсенской мануфактуры, что говорит об их непреходящей художественной ценности.  Произведения Штрука находятся в музейных собраниях, включая коллекцию самой Мейсенской мануфактуры. Его наследие — важная страница в истории развития европейской фарфоровой пластики XX века.

     Родился 8 ноября 1889 года в Бертельсдорфе близ Фрайберга . Обучался в Дрездене у скульптора Фридриха Бургхардта (1905–1908), посещал вечерние курсы в Школе прикладного искусства . Совершил путешествия в Берлин и Италию (1909–1911) .

      В 1911–1912 годах работал на Нимфенбургской фарфоровой мануфактуре, а с ноября 1912 года начал сотрудничество с Мейсеном, где прошёл путь от помощника модельера до художественного руководителя отдела дизайна (с 1936 года) . После войны работал в системе керамической промышленности ГДР, вышел на пенсию в 1955 году .

     Параллельно с работой на мануфактуре изучал анатомию животных в Дрезденской ветеринарной школе у профессора Вильгельма Элленбергера . В 1919–1920 годах был учеником скульптора Зельмара Вернера в Дрезденской академии .

     Эрих Эме известен прежде всего как непревзойденный мастер анималистической пластики. Он создал около 60 моделей животных для Мейсенской мануфактуры, и многие из них выпускаются до сих пор .

      Создал серию пластик по мотивам знаменитых жеребцов: «Маэстозо», «Альхимист», «Паккард» (1955) и «Гранд» . Эти скульптуры требуют особого мастерства из-за сочетания тонких ног и мощного торса, что является балансировочным актом для фарфора. Создавал образы с внутренним достоинством и характером: медведи, рыси, барсы, олени, кабаны, а также мелкие фигурки птиц и ежей . Его работы отличает выразительная моделировка, внимание к анатомии и текстуре (например, детализация оперения глухаря) .

     Произведения Эриха Эме находятся в крупнейших музейных собраниях мира, включая собрание самой Мейсенской мануфактуры.

     В 1950-е годы его фигурки животных стали особенно популярны, их часто называли «Школа Оме».

     Скульптор скончался 23 октября 1970 года в Майсене . Похоронен на городском кладбище Майсена. Его наследие продолжает жить в каждой новой фигурке, выпускаемой Мейсенской мануфактурой по его моделям.