Справочник авторов антикварного салона Русский модерн

     Рихард Карлович Зомер — русский живописец и график, мастер жанровых и батальных сцен, певец архитектуры и природы Средней Азии и Закавказья. Художественное образование он получил в Императорской Академии художеств в Петербурге, где учился с 1884 по 1893 год в качестве вольнослушателя. За ученические работы неоднократно отмечался медалями: в 1886 году удостоен малой серебряной медали, в 1890 — малой и большой серебряных медалей, в 1891 — большой серебряной медали. В 1893 году был выпущен из Академии со званием классного художника 3-й степени.

     В конце 1890-х — начале 1900-х годов Зомер работал в Средней Азии, а в 1910-х много путешествовал по Закавказью, посетил Грузию, Армению, Азербайджан. Он стал одним из основателей Тифлисского общества изящных искусств. С 1894 года принимал участие в выставках: экспонировал свои работы на выставках Санкт-Петербургского общества художников, Общества русских акварелистов, Осенних выставках в залах Академии художеств. Персональная выставка работ Зоммера прошла в Ташкенте в 1915 году.

     Зомер писал бытовые и батальные сцены, виды архитектурных достопримечательностей Туркестана, пейзажи старых кварталов Ташкента, Самарканда, Бухары. Его картины пользовались популярностью среди коллекционеров и любителей искусства. Работы художника отличаются ясностью композиционного построения, вниманием к деталям. В его живописи, как и в работах многих других мастеров рубежа XIX–XX столетий, тесно переплелись черты реализма и импрессионизма. Жанрово-этнографическая направленность произведений Зоммера роднит их с творчеством таких живописцев, как В.В. Верещагин, Я.Ф. Ционглинский, Л.Е. Дмитриев-Кавказский.

     Работы художника находятся в собраниях Государственного Русского музея, Омского областного музея изобразительных искусств, Тульского областного художественного музея, Государственного музея искусств Азербайджана в Баку, Музея истории культуры и искусства Узбекистана в Самарканде, Республиканского художественного музея Северной Осетии и других. Скончался Рихард Карлович Зомер в 1939 году.

  Питер Падмос вошёл в историю искусства как автор невероятно теплых, трогательных и сказочных образов. Его творчество охватывает несколько жанров, но главным делом его жизни стала иллюстрация детских книг.

   Падмос создавал иллюстрации к сказкам, которые пользовались огромной популярностью в Нидерландах. Его работы отличаются мягкой, пастельной цветовой гаммой, вниманием к деталям и умением передать волшебную атмосферу. Наибольшую известность ему принесли иллюстрации к книге «Волшебная страна» — собранию лучших сказок мира. Именно это произведение и представлено в коллекции салона «Русский модерн». Его сказочные сюжеты полны фантазии и доброты.

   Помимо книжной графики, Падмос создавал и станковые произведения. На аукционах часто встречаются его пейзажи — изображения голландской деревни, городские виды (например, виды Гауды или Дордрехта), а также цветочные натюрморты. Эти работы выполнены в реалистической манере, с большим вниманием к свету и атмосфере.

      Марка Doulton Lambeth — это, пожалуй, самое интересное и художественно ценное направление в истории знаменитой английской компании Royal Doulton. Она относится к раннему периоду деятельности фирмы и высоко ценится коллекционерами за ручную работу, уникальный дизайн и связь с движением «Искусства и ремесла» (Arts and Crafts Movement).

      Всё началось в 1815 году, когда Джон Доултон (John Doulton) вместе с компаньонами основал небольшую гончарную мастерскую в районе Ламбет (Lambeth) на южном берегу Темзы в Лондоне . Первоначально здесь производили практичные вещи: пивные кружки, кувшины, бутылки и керамические трубы .

     Настоящий расцвет направления «Doulton Lambeth» начался в 1860-70-х годах, когда сын основателя, Генри Доултон, решил превратить утилитарное производство в художественное . В 1871 году он открыл студию при фабрике и пригласил талантливых художников и скульпторов из nearby Lambeth School of Art .

     Основным материалом был каменная керамика  с соляной глазурью. Эта технология придавала изделиям характерную фактуру «апельсиновой корки» и делала их очень прочными. Цветовая гамма была сдержанной: коричневые, серые, синие тона, которые позже дополнились более светлыми оттенками .

        В отличие от массовой продукции, изделия Doulton Lambeth были уникальными или малотиражными. Их часто украшали резьбой по глине, рельефами, лепниной и ручной подглазурной росписью.

      Ценность предмета напрямую зависит от имени художника, который его украсил. Самые известные имена, которые можно искать на дне или основании вазы:

      Джордж Тинворт (George Tinworth) — первый и самый знаменитый художник Doulton, мастер рельефов и скульптурных групп на библейские и жанровые сюжеты.

       Семья Барлоу (The Barlow family) — Ханна, Флоренс и Артур Барлоу, известные своими изящными рисунками с животными и растительными орнаментами, вырезанными на керамике.

     Марк Маршалл (Mark Marshall), Фрэнк Батлер (Frank Butler) и другие талантливые художники, работавшие в студии в разное время .

      Doulton Lambeth — это не просто старая керамика, это подлинный артефакт викторианской эпохи, «штучный товар», созданный руками художников. Именно эти предметы, особенно с подписью знаменитого мастера, представляют наибольший коллекционный и музейный интерес, в отличие от более поздней массовой продукции Royal Doulton.

     Герард Альтман (1877–1940)

     Герард Альтман — нидерландский художник, известный своими пейзажами, натюрмортами и акварельными работами. Уроженец Роттердама, он писал картины в стиле реализма, часто изображая сельские виды, речные пейзажи и интерьеры. Его работы регулярно выставлялись на аукционах, включая Christie's. 

     Среди характерных сюжетов — пейзажи рек, сельские сцены, натюрморты с астрами. Творчество Альтмана, оставаясь в рамках реалистической традиции, запечатлело спокойную красоту нидерландской природы и быта первой половины XX века.

     Богемское стекло

     Термин «богемское стекло» уже давно стал синонимом качественной посуды эксклюзивного уровня. История этого прославленного стекольного производства берёт своё начало в далёком XI веке, когда Королевство Богемия славилось своими мастерами-стеклодувами. Огромную роль в развитии стекольной промышленности Богемии сыграли богатые прииски калия и известняка, находившиеся на территории королевства, — именно из этих материалов производилось первое богемское стекло, отличавшееся кристальной чистотой и оригинальными тёплыми оттенками.

     Искусство стекольного производства королевства долгое время хранилось в строжайшей тайне. Секреты мастерства передавались из поколения в поколение и таким образом дошли и до нашего времени. Даже после распада королевства и образования Чешской республики на его территории производство богемского стекла не остановилось, напротив, оно продолжает развиваться, сохраняя вековые традиции.

     Во времена королевства богемским стеклом могли пользоваться только высокопоставленные чиновники. Изящные вазы потрясающих форм и размеров, искусные графины удивительных конфигураций, столовая посуда кристальной чистоты — всё это зачастую появляется на наших столах в праздничные вечера. Чешский фарфор всегда считался роскошью, особенно если он был украшен ручной росписью.

     Сегодня чешская посуда производится во всевозможных стилистических исполнениях — это и вечная классика, и роскошный ампир, и даже модерн и готика. Но, независимо от стиля и цвета, посуда из богемского стекла всегда будет актуально смотреться в любом интерьере, сохраняя свою репутацию эталона качества и изысканного вкуса.

   Нина Александровна Виноградова-Бенуа-художник-график, сценограф, искусствовед, исследователь русского костюма.

  Нина Александровна родилась 15 июля 1936 года в Ленинграде в семье, принадлежавшей к цвету русской художественной и архитектурной интеллигенции .

 Нина Александровна была прямым потомком прославленной династии Бенуа, что впоследствии отразилось и в её двойной фамилии. В их числе: Николай Леонтьевич Бенуа (1813–1898) — главный архитектор Петергофа (прапрадед). Леонтий Николаевич Бенуа (1856–1928) — архитектор, ректор Академии художеств (прадед). Альберт Катеринович Кавос (1800–1863) — академик архитектуры, создатель Мариинского театра. Зинаида Евгеньевна Серебрякова — художница (троюродная бабка) .

В 1941 году, во время войны, Нина вместе с сестрой была эвакуирована в Узбекистан. После снятия блокады в 1944 году вернулась в Ленинград, окончила школу с золотой медалью и поступила на искусствоведческое отделение исторического факультета ЛГУ . В 1956 году вышла замуж за художника Илью Сергеевича Глазунова . В 1957 году, окончив университет, переехала с мужем в Москву, где поступила в Полиграфический институт на отделение графики, который успешно окончила .

 Работала в техниках линогравюры и акварели, оформляла книги, писала акварельные натюрморты. Нина Александровна была глубоким исследователем истории русского костюма. Её фундаментальный труд «Русский костюм» был издан в 1987 году, уже после её смерти . По её акварелям в 1969 и 1971 годах издательство «Изобразительное искусство» выпустило знаменитые серии открыток «Русский головной убор» .

   В конце 1970-х — 1980-е годы вместе с И.С. Глазуновым работала над эскизами костюмов и декораций для ведущих оперных сцен мира . Среди её работ:«Князь Игорь» (1980, Немецкая государственная опера, Берлин), «Маскарад» (1981, Одесский академический театр оперы и балета), «Пиковая дама» (1982, Берлин), «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1983, Государственный академический Большой театр СССР) — эскизы костюмов к этой постановке хранятся в Театральном музее им. Бахрушина.

     Французский скульптор, мастер камерной и монументальной пластики. Представитель академического направления середины XIX века.

     Анри Даниель Дюкомен дю Локль родился в 1804 году в городе Нанте — одном из крупных культурных центров Западной Франции. Свои первые работы он представил на престижном Парижском Салоне в 1839 году. Уже в 1841 году он был удостоен специальной награды, что стало признанием его таланта и открыло путь к дальнейшей успешной карьере.

     В 1840–1860-е годы Дюкомен дю Локль получил множество престижных заказов.Среди его наиболее значительных работ — скульптура для фонтана Королевской площади в Нанте, 1865 год. Это монументальное произведение стало важной частью городского ансамбля родного города скульптора и свидетельством его высокого мастерства.

     Творчество Дюкомена дю Локля развивалось в русле академической традиции французской скульптуры середины XIX века. 

Его произведения, как камерные, так и монументальные, были востребованы как государственными учреждениями, так и частными заказчиками.

     Анри Даниель Дюкомен дю Локль скончался в 1884 году, оставив после себя значительное наследие. Его работы хранятся в музейных собраниях Франции и других стран, а скульптуры для фонтана Королевской площади в Нанте до сих пор украшают город.

      Льенар родился в 1842 году. 

      Художник прославился своими бронзовыми скульптурными группами, изображающими сцены охоты. Его работы отличаются реалистичностью, вниманием к деталям и умением передать анатомию животных .

      Помимо скульптуры, Льенар также работал как живописец. Известна его картина 1896 года «Прохожие на улице Гобеленов, на берегу Бьевр, в квартале дубильщиков».

    Мажорель Луи-Жан-Сильвестр (Louis Majorelle) (1859–1926)

     Луи-Жан-Сильвестр Мажорель, более известный просто как Луи Мажорель, — один из самых выдающихся французских дизайнеров мебели в стиле модерн, талантливый декоратор и промышленник. Он был безусловным лидером и одним из вице-президентов «Школы Нанси», объединения художников и мастеров, прославивших Лотарингию на весь мир.

     В 1880-х годах Мажорель начинал с производства мебели в стиле Людовика XV. Однако после знакомства с творчеством великого Эмиля Галле, а также под впечатлением от его изделий из стекла и мебели, Мажорель радикально изменил направление своей работы. В 1894 году он представил на выставке в Нанси первые образцы мебели в новом, «растительном» стиле.

     Начиная с 1890-х годов, Мажорель, богато украшенная инкрустациями, черпала вдохновение непосредственно у природы: плавные линии стеблей растений, листья водяных лилий, усики и стрекозы превращались в изящные формы его кресел, столов и шкафов. Он первым начал использовать для каркасов мебели ценные породы дерева — красное дерево и макассар, которые сами по себе были красивы и не требовали облицовки.

     Настоящий триумф ждал Мажореля на Всемирной выставке 1900 года в Париже. Его изделия завоевали множество призов и привлекли внимание международной клиентуры, сделав его имя известным далеко за пределами Франции.

     В феврале 1901 года Мажорель стал одним из членов-учредителей «Школы Нанси». Это объединение художников, архитекторов и промышленников Лотарингии, возглавляемое сначала Галле, а после его смерти в 1904 году — Виктором Пруве, стремилось к синтезу искусств и внедрению высокохудожественного дизайна в повседневную жизнь. Именно Мажорель был признанным лидером группы на всём протяжении её существования.

     Завод фирмы Мажорель, спроектированный известным   архитектором Люсьеном  Вессенбургером, находился в западной части Нанси. К 1910 году Мажорель открыл магазины своей мебели не только в Нанси, но и в Париже, Лионе, Лилле, став крупным и уважаемым предпринимателем.

     Луи Мажорель скончался в 1926 году. Мебель Луи Мажореля, олицетворяющая элегантность и новаторство стиля модерн, сегодня является украшением крупнейших музеев и высоко ценится коллекционерами во всём мире.

      Альфонс Муха (Alfons Mucha) (1860–1939)

     Чешский живописец, график, дизайнер, иллюстратор. Один из главных представителей стиля ар-нуво.

      Альфонс Мария Муха родился 24 июля 1860 года в городе Иванчице. Его певческий голос позволил ему получить образование в гимназии в Брно, а затем продолжить обучение в Вене. Однако после того, как семейный театр, где он работал декоратором, сгорел, Муха переехал в Мюнхен, а затем в Париж.

     В Париже Муха учился в Академии Жюлиана и Академии Коларосси. Он  зарабатывал на жизнь иллюстрациями для журналов и рекламной графикой. Поворотным моментом стала его работа для великой актрисы Сары Бернар.

     В 1894 году, в канун Рождества, Муха срочно создал афишу для спектакля «Жисмонда» (Gismonda) в театре «Ренессанс», где играла Сара Бернар. Афиша произвела фурор. Её необычный стиль — длинный, узкий формат, жизнерадостные цвета, натуралистичное изображение актрисы в окружении декоративных мозаичных арок — стал сенсацией. Муха подписал с Сарой Бернар шестилетний контракт, создав для неё афиши к спектаклям «Дама с камелиями», «Лорензаччо», «Медея» и другим. Стиль, созданный Мухой, стал эталоном ар-нуво.

     Муха работал не только в области афиши. Он создавал знаменитые серии «Времена года», «Искусства», «Камни», «Цветы», эскизы для парижского ювелира Жоржа Фуке.

В 1910 году Муха вернулся в Чехию, чтобы посвятить себя главному труду своей жизни — циклу монументальных полотен «Славянская эпопея» (Slovanská epopej) . Это 20 огромных картин, изображающих ключевые моменты истории славянских народов. Муха работал над этим проектом 18 лет (1910–1928) и передал его городу Праге.

     В 1930-е годы, с приходом фашизма, работы Мухи были объявлены «дегенеративным искусством». Он скончался 14 июля 1939 года в Праге, через несколько месяцев после оккупации Чехословакии нацистами.

     Сегодня Альфонс Муха признан одним из величайших художников рубежа XIX–XX веков. Его работы хранятся в крупнейших музеях мира.