Справочник авторов антикварного салона Русский модерн

     Императорский фарфоровый завод (ИФЗ)

     Императорский фарфоровый завод — одно из старейших в Европе, первое и одно из крупнейших в России предприятий по производству художественных фарфоровых изделий. Расположен в Санкт-Петербурге и ведёт свою историю с 1744 года.

     Завод был основан по указу императрицы Елизаветы Петровны, которая страстно желала иметь собственное фарфоровое производство в России . Первоначально предприятие именовалось «Невской порцелиновой мануфактурой».

     В 1744 году русский посланник при датском дворе барон Н. А. фон Корф заключил договор с саксонским мастером Кристофом Конрадом Гунгером об организации в России фарфорового производства. Однако Гунгер не смог выполнить свои обязательства, и подлинная заслуга в создании русского фарфора принадлежит выдающемуся учёному Дмитрию Ивановичу Виноградову .

     Виноградов, друг М. В. Ломоносова, обучавшийся вместе с ним в Германии, подошёл к делу экспериментально. Он последовательно ставил опыты, изучал местные материалы и в конце 1746 года, использовав гжельские белые глины, олонецкий кварц и алебастр, смог получить удовлетворительный фарфор. Виноградов также сконструировал мельницы для подготовки шихты и печи для обжига, а позже издал первую в Европе монографию по технологии производства фарфора . Сохранилось всего девять изделий с маркой Виноградова (W), которые являются уникальными и бесценными памятниками.

      В 1765 году мануфактура получила название Императорский фарфоровый завод . Перед ним была поставлена задача — «удовольствовать всю Россию фарфором».

     В годы правления Екатерины II завод достиг значительного расцвета. В 1784 году был создан знаменитый «Арабесковый» сервиз, состоявший из 973 предметов. С 1792 года управление заводом перешло к князю Н. Б. Юсупову, который провёл техническое перевооружение производства и открыл фирменные магазины в Москве и Петербурге.

     В начале XIX века, при управляющем графе Гурьеве, на заводе были созданы выдающиеся образцы, в том числе знаменитый Гурьевский сервиз, посвящённый теме русского народного костюма, над которым работали скульпторы Пименов и Воронихин.

     С начала правления Екатерины II завод начал использовать в качестве клейма монограммы правящих монархов. Например, изделия с вензелем Николая II до сих пор можно встретить в старых петербургских домах. С 1840 года при заводе была открыта бронзолитейная мастерская, что позволило сочетать фарфор с золочёной бронзой.

     После Октябрьской революции 1917 года завод был национализирован и переименован в Государственный фарфоровый завод (ГФЗ). На смену монархическим вензелям пришла советская символика, появился знаменитый «агитационный фарфор».

      В 1925 году, в связи с 200-летием Российской академии наук, заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова, и он стал называться Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова (ЛФЗ). Аббревиатура «ЛФЗ» стала широко известна как клеймо завода .

     В 2005 году решением акционеров заводу было возвращено его историческое название — «Императорский фарфоровый завод» (АО «ИФЗ»).

     Фарфор Императорского завода представлен в собраниях крупнейших музеев мира: Эрмитаже, Историческом музее, Метрополитен-музее в Нью-Йорке, музее Виктории и Альберта в Лондоне и многих других.

     Кайданов Иван Кузьмич (1782–1843)

     Иван Кузьмич Кайданов — русский педагог и писатель, автор исторических учебников, которые на протяжении десятилетий были основными пособиями в российских учебных заведениях. Он родился в семье священника. Учился в Киевской духовной академии, а затем в Педагогическом институте.

     По окончании курса в 1808 году Кайданов был отправлен для продолжения образования в заграничные университеты. По возвращении в Россию, в 1811 году, он был назначен профессором Царскосельского лицея. Именно там он приобрёл известность как автор учебников по истории

     Некоторые учебники Кайданова были переведены на польский, немецкий, французский и румынский языки, что свидетельствует об их популярности и признании не только в России, но и за рубежом. Иван Кузьмич Кайданов скончался в 1843 году.

     Каразин Николай Николаевич (1842–1908)

     Николай Николаевич Каразин — русский живописец, график, иллюстратор, писатель и путешественник, академик Императорской Академии художеств (1907). Он был человеком удивительной судьбы, в которой военная служба, научные экспедиции, литературное творчество и живопись переплелись воедино.

     Родился 9 декабря 1842 года в слободе Новоборисоглебской Харьковской губернии в дворянской семье . В 1862 году окончил 2-й Московский кадетский корпус и начал военную службу в драгунском полку . Участвовал в подавлении Польского восстания 1863–1864 годов, затем служил в Туркестане, где принимал участие в боевых действиях против Бухарского ханства . В бою на Зерабуланских высотах (2 июня 1868 года) проявил исключительную отвагу, за что был награждён орденом .

     В 1865 году, выйдя в отставку в чине штабс-капитана, Каразин поступил вольнослушателем в Императорскую Академию художеств, где два года занимался под руководством известного баталиста Б.П. Виллевальде . Затем он отправился в Париж, где стажировался у знаменитого французского иллюстратора Гюстава Доре . Однако кабинетная жизнь художника пришлась не по душе беспокойному натуралисту: в 1867 году он вновь поступил на военную службу и принял участие в походе в Бухару.

     В 1874 и 1879 годах Каразин принял участие в научных экспедициях Русского географического общества в Центральную Азию для исследования бассейна Амударьи . Он вёл путевые журналы, делал множество набросков карандашом, пером и акварелью, которые позднее получили высшие награды на географических выставках в Париже и Лондоне . За эти заслуги он был избран членом Русского географического общества.

     Во время русско-турецкой войны 1877–1878 годов Каразин работал военным корреспондентом-иллюстратором, его фронтовые наброски с натуры публиковались в русских и зарубежных изданиях, принеся ему мировую известность.

     С 1880-х годов Каразин активно работал как книжный иллюстратор и писатель. Он сотрудничал с журналом «Нива» более 30 лет, поместив в нём свыше 450 рисунков и около 60 произведений . Он создал иллюстрации к сочинениям А.С. Пушкина, Ф.М. Достоевского, Л.Н. Толстого, Н.В. Гоголя, И.С. Тургенева . В 1893 году выполнил цикл акварелей к произведениям Достоевского, став первым художником, внесшим цвет в иллюстрирование его сочинений.

     Каразин был одним из учредителей Общества русских акварелистов. Он также создал первые в России художественные почтовые открытки, изданные Общиной св. Евгении.

     Как писатель он автор шести романов, многочисленных повестей, рассказов и сказок, многие из которых сам же иллюстрировал. Наиболее известные его произведения: «На далеких окраинах» (1875), «Тигрица» (1876), «Погоня за наживой» (1876), «От Оренбурга до Ташкента» (1886), «С севера на юг» (1890) .

     В 1885 году Каразин получил звание почётного вольного общника Академии художеств, а в 1907 году — академика.

     С 1907 года, по совету врачей, поселился в Гатчине . Скончался 19 декабря 1908 года, похоронен в Санкт-Петербурге на Никольском кладбище Александро-Невской лавр.

     Работы Николая Николаевича Каразина хранятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее и других крупнейших музейных собраниях России.

     Карамзин Николай Михайлович (1766–1826)

     Николай Михайлович Карамзин — русский писатель, поэт, журналист, историк, реформатор русского литературного языка, создатель одного из фундаментальных трудов в русской историографии — «Истории государства Российского». Он происходил из дворян Симбирской губернии, детство провёл в имении отца, воспитывался в частном пансионе Симбирска, а затем в московском пансионе профессора Шадена, где изучал языки, словесность, историю и философию.

     По настоянию отца Карамзин переехал в Петербург и поступил на военную службу в гвардейский Преображенский полк, но вскоре оставил её и посвятил себя литературному труду, начав с переводов. Поселившись в Москве, он вошёл в кружок просветителя Н.И. Новикова и принял участие в выпуске первого русского журнала для детей — «Детское чтение». В 1789–1790 годах Карамзин совершил большое путешествие по Европе, посетил Германию, Австрию, Швейцарию, Францию, Англию, встречался с Иммануилом Кантом и Иоганном Гёте, в Париже стал свидетелем событий Великой Французской революции. Впечатления от этой поездки легли в основу «Писем русского путешественника» — книги, прославившей его имя.

     С 1791 года он издавал «Московский журнал», а с 1802 года — «Вестник Европы», первый русский литературно-политический журнал. В русской литературе Карамзин выступил зачинателем сентиментализма. Его повести — «Бедная Лиза», «Наталья, боярская дочь», «Фрол Силин, благодетельный человек», «Лиодор» — были горячо приняты читающей публикой. Полные меланхолии и горестного томления стихотворения (элегии, дружеские послания, мадригалы) своим психологизмом и лирической трактовкой пейзажа прокладывали путь поэзии Жуковского. Карамзин много сделал для развития русского литературного языка: освободил прозу от обветшалых архаических форм, выработав лёгкую, изящную интонацию фразы, обогатил словарный состав.

     С 1803 года и до самой смерти он по высочайшему повелению занимался «Историей государства Российского», работая над книгой более двух десятилетий. Некоторые главы он читал императору Александру I. Каждый том имел обширные документальные приложения, не уступающие по своему объёму основному тексту. Александр Пушкин назвал этот труд «подвигом честного человека». Карамзин скончался в 1826 году.

    Михаил Самуилович Келлат — русский художник-пейзажист конца XIX – начала XX века, педагог, мемуарист и иллюстратор, известный прежде всего своими работами к поэме А.С. Пушкина «Евгений Онегин». В 1878–1885 годах он учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) у выдающегося мастера Василия Дмитриевича Поленова, чьё влияние определило его путь в искусстве. Окончил училище со званием неклассного художника.

     В дальнейшем Келлат посвятил себя педагогической деятельности, преподавая в Якиманском втором Городском начальном училище. Несмотря на скромный масштаб творческого наследия по сравнению с его знаменитым учителем, он оставил заметный след в истории русской графики как иллюстратор. Особого внимания заслуживают его рисунки к роману в стихах «Евгений Онегин», в которых он стремился передать дух пушкинской эпохи.

     Келлат также известен как автор мемуаров, проливающих свет на личность и творчество его учителя: «Несколько слов о художнике В.Д. Поленове ученика его М.С. Келлата». Произведения художника хранятся в Государственном музее-заповеднике В.Д. Поленова, Пермской государственной художественной галерее, а также во Всероссийском музее А.С. Пушкина. Скончался Михаил Самуилович Келлат в 1929 году.

     В антикварном деле понятие неизвестный китайский мастер — это не просто констатация факта, а целый пласт культуры, наполненный глубоким смыслом и особым отношением к авторству. Если в западной традиции имя художника часто стоит во главе угла, определяя ценность произведения, то в традиционной культуре Китая всё было иначе. Здесь на протяжении веков ценился не столько творец, сколько преемственность традиции, совершенство ремесла и неразрывная связь с духовными практиками предков.

      Многие шедевры китайского декоративно-прикладного искусства — от ритуальных бронзовых сосудов эпохи Шан и Чжоу до изысканных ваз эпохи Цин — не имеют подписи мастера. Это не случайность, а отражение мировоззрения, в котором искусство не было актом самовыражения отдельной личности, а скорее способом постижения вселенской гармонии и служения высшим силам. Создатели этих предметов видели себя не художниками в современном смысле, а ремесленниками-подвижниками, чья задача — в точности воспроизвести канонические формы и орнаменты, освященные веками. Это свидетельство того, что перед нами предмет, созданный в рамках великой культуры, где индивидуальное авторство не было главной ценностью.

     Бронзовые сосуды для вина, воды и пищи  — одни из самых почитаемых древностей. Их ценность тем выше, чем древнее эпоха (Шан, Чжоу). Сложный рельефный декор и патина, наросшая за тысячелетия, являются главными критериями подлинности .

     Большинство фарфоровых изделий, особенно выпущенных для внутреннего рынка или на экспорт, не имеет подписи художника.

     Живопись и каллиграфия - это область, где подпись и печать художника особенно важны, однако существует огромное количество анонимных работ — ранние буддийские знамена из пещер Дуньхуана, народные лубочные картины, а также работы, приписываемые той или иной школе или императорской академии живописи, но не имеющие конкретного автора.

    Статуэтки из нефрита, слоновой кости, а также резные фигурки из дерева и кости часто анонимны. Здесь ценится материал, чистота обработки и символика образа.

    Хотя китайское стеклоделие и не достигло высот европейского, эмали по металлу (клуазоне) являются визитной карточкой Китая эпох Мин и Цин. Эти яркие, многоцветные предметы  также, как правило, не подписывались.

    Неизвестный китайский мастер — это не синоним безымянного, а скорее канонического, традиционного. Приобретая такой предмет, вы становитесь обладателем не просто старинной вещи, а частицы великой цивилизации, где искусство было служением, а не самовыражением, и где ценность произведения определялась его способностью нести в себе отблеск вечности, а не громкое имя его создателя.

     Родился будущий художник в Петербурге. Первоначальное художественное образование получил под руководством отца, который, несмотря на изначальное нежелание видеть детей продолжателями своего дела, признал талант сына. Впоследствии Юлий Клевер-младший совершенствовал своё мастерство в Академии изобразительных искусств в Мюнхене (1906–1908), что позволило ему познакомиться с европейскими художественными течениями и отточить технику.

     С 1898 года он начал активно участвовать в художественной жизни, экспонируя свои работы на выставках Санкт-Петербургского товарищества художников, Товарищества художников, Общества имени А.И. Куинджи и других престижных объединений. В 1910 году с успехом прошла его персональная выставка в Москве. Помимо творческой работы, Клевер занимался и педагогической деятельностью: преподавал в Рисовальной школе Товарищества передвижных художественных выставок в Петербурге (1902–1906; 1909–1917), передавая своё мастерство молодому поколению.

     В своём творчестве Юлий Клевер-младший проявил себя как блестящий колорист. Его любимыми жанрами были натюрморт и лирический пейзаж. Особую известность ему принесли натюрморты с рыбой, где он с поразительной натуралистичностью и любовью изображал щук, окуней, стерлядь, добиваясь удивительной убедительности — «его карпы были так убедительны, что, казалось, вот-вот бьют хвостом». Художник виртуозно передавал световоздушную среду, а его живописная манера блестяще перекликалась с традициями голландских натюрмортов XVII века.

     Юлий Клевер-младший разделил трагическую судьбу многих ленинградских художников. Он пережил революцию и годы становления советской власти, но не смог пережить блокаду: художник умер в осаждённом Ленинграде в 1942 году.

     Произведения Юлия Юльевича Клевера (сына) хранятся в крупных музейных собраниях, включая Ульяновский, Краснодарский, Рязанский художественные музеи, а также во многих частных коллекциях, и продолжают радовать ценителей своим виртуозным мастерством и тонким лиризмом.

    Клевер Юлий Юльевич (старший) (1850–1924)

     Юлий Юльевич Клевер (старший) — русский живописец, академик и профессор Императорской Академии художеств, один из самых популярных и коммерчески успешных пейзажистов своего времени. Он родился в Дерпте (ныне Тарту) в 1850 году. Первоначально учился в Дерпте у художника К. Кюгельхена, затем продолжил образование в Петербургской Академии художеств, где в 1867–1868 годах занимался в архитектурном классе, а в 1868–1870 годах — в пейзажном у профессоров С.М. Воробьева и М.К. Клодта.

     Именно пейзаж стал подлинным призванием Клевера. В его творчестве органично сочетались академическая выучка и искренняя любовь к русской природе. Клевер был мастером «постановочных» пейзажей с театрализованными эффектами освещения — его знаменитые «закаты», «лунные ночи» и «сумерки» были невероятно популярны у публики. Эффектные, часто величественные, а порой и меланхоличные лесные виды, залитые таинственным светом, принесли ему славу и многочисленных заказчиков, включая императорскую семью.

     Живопись Клевера, относимая к салонно-академическому направлению, была довольно популярна как при его жизни, так и впоследствии, несмотря на критику за излишнюю «эффектность» и «театральность». Он обладал уникальным даром превращать обычный лесной мотив в романтическое, почти фантастическое зрелище. Его картины можно встретить во многих музеях и частных коллекциях. Клевер скончался в 1924 году, оставив после себя большое художественное наследие и продолжив династию: его сын, Юлий Клевер-младший, также стал известным живописцем.

       Клодион — псевдоним выдающегося французского скульптора, настоящее имя которого было Клод Мишель. Он родился в 1738 году в Нанси. Его первыми учителями были отец, придворный скульптор прусского короля Т. Мишель, а затем дядя, Л. С. Адан, и знаменитый Жан-Батист Пигаль. Своё художественное образование Клодион завершил в Риме, где провёл девять лет (1762–1771), усердно изучая античное искусство. Именно в Италии сформировался его неповторимый стиль.

     Оживлённость, грациозность и чувственность его произведений быстро принесли ему известность в римском артистическом кругу и множество заказов от любителей искусства из разных стран, включая императрицу Екатерину II, которая напрасно пыталась привлечь его в Россию. По возвращении во Францию в 1773 году он был избран членом Парижской академии художеств.

     Талант Клодиона наиболее ярко проявлялся в малых формах: в небольших статуэтках и рельефах, а не в монументальной скульптуре. Он был настоящим певцом галантного века, его работы — нимфы, вакханки, сатиры и амуры — полны жизни, игривости и лёгкой эротики. Многие из его мелких работ были воспроизведены многократно в бронзе, терракоте, мраморе и бисквите, поступали в продажу и расходились по рукам богатых людей, украшая будуары и гостиные аристократии.

     С наступлением эпохи господства холодного псевдоклассического стиля Давида интерес к работам Клодиона упал. Однако после недолгого равнодушия в 1810–1820-х годах, в настоящее время его произведения снова в большом почёте у любителей и продаются по высоким ценам. Образцы этих работ можно увидеть почти во всех крупных музеях Европы, в том числе и в Императорском Эрмитаже. Клодион скончался в 1814 году, оставив после себя богатое наследие, которое до сих пор олицетворяет для нас утончённую, гедонистическую культуру французского рококо.

     Михаил Константинович Клодт — русский живописец-пейзажист, профессор и член Совета Императорской Академии художеств, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Он родился в Санкт-Петербурге в 1832  году и происходил из знаменитой художественной династии: его отец был гравером, дядя — скульптором, а двоюродный брат также стал живописцем.

     Клодт не сразу пришёл в искусство: сначала он учился в Институте горных инженеров, где, однако, преподавали рисование. Только после этого, в 1851–1858 годах, он обучался в Императорской Академии художеств. За успехи в учёбе он был удостоен Большой золотой медали, которая дала ему право на пенсионерскую поездку за границу. В 1858–1861 годах он посетил Германию, Швейцарию и Францию, где совершенствовал своё мастерство.

     По возвращении в Россию Клодт жил и работал в Петербурге, много путешествовал по российским губерниям, изучая родную природу. Он стал профессором и членом Совета Академии художеств, активно участвуя в её работе. В 1870 году Клодт выступил одним из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок, однако в 1880 году вышел из него, но продолжал показывать свои пейзажи на выставках Товарищества. Скончался Михаил Константинович Клодт в Петербурге в 1902 году, оставив заметный след в истории русского реалистического пейзажа.